quarta-feira, 31 de julho de 2013

Biografia de Madeleine Vionnet

    Madeleine Vionnet ( Chilleurs-aux-Bois22 junho 1876 - Paris , 02 de março 1975 ) foi um estilista francês .
  Criador de um dos mais prestigiados casa de moda de alta-costura (a Maison Vionnet ) de toda a França, que colocá-lo entre os precursores da revolução da moda do século XX , através do processo de libertação das mulheres das armadilhas da corpetes do século XIX e saias definidos com osso de baleia.
   A filha de um funcionário da alfândega 's originais Jura que viveu em Auberville, Abel Vionnet, foi abandonada pela mãe quando Madeleine ainda era uma criança.
    Ela se mudou com seu pai, em busca de oportunidades de emprego, em Paris , é deixar a escola apenas dez anos de idade e entrou em uma maison de alta-costura, onde ele trabalhava, a esposa de um amigo de seu pai.Casou-se aos dezoito anos, ele se mudou para a Inglaterra para trabalhar para Kate Reilly, que fez roupas para curto Inglês .  
   De volta a Paris por em contato com Madame Gerber, uma das três irmãs que se dirigia a casa de moda Callot Soeurs, mas no momento dos mais importantes na França.
   Adquirida a experiência, possuir uma casa de moda fundada em 1912 que saiu para atender às necessidades de roupas de alta-costura da nobreza européia e as classes superiores, bem como os proprietários de terras da América do Sul (o ponto que definiu as esposas dos produtores de açúcarcubanos seu melhores clientes para o 900).
    Sua casa, que também está alojado em sua fabricação, foi mais tarde convertido em um museu de moda .Ele foi entrevistado por Bruce Chatwin pouco antes de sua morte, um relatório desta reunião é para ser encontrado em O que estou fazendo aqui? mesmo autor, extraído da Vogue , para quem ele trabalhou Chatwin no momento.
   A contribuição mais importante de Madeleine Vionnet forma é dada pela utilização inovadora do corte em viés, ou na diagonal a 45 ° em relação à direcção da urdidura e da trama. 
  Esta técnica de modelagem vai revolucionar a forma como vemos o corpo da mulher, nas primeiras décadas do 900 já havia mudado com o abandono do busto eo costume de praticar esportes em uma idade jovem já.
   A técnica do corte em viés ainda é muito usado hoje em dia, permite-lhe criar vestidos com linhas de montagem, aproveitando o seu potencial elástica e, assim, melhorar a forma feminina. 
  Os vestidos sereia famosas com linhas fluidas que temos visto usados ​​por estrelas de Hollywood dos anos 30 e 40 são, definitivamente, um exemplo tangível da contribuição de Vionnet moda.
   Hoje, muitos estilistas se inspiram as criações Vionnet, mas sua técnica elaborada é quase impossível de se reproduzir como Madeleine Vionnet experimentou e construiu sua roupa em um manequim em tamanho reduzido de 1/2 e, em seguida, jogar o resultado em medidas reais de um manequim.
  Algumas criações tornou necessária a tecidos feitos especialmente para ela própria alturas hoje improducibili para o uso de tecido em viés.
  Muitas das criações dos anos 30 Vionnet (também assinado com a Universal Maison) construções têm para elaborar a ser impossível mesmo pelo mais habilidoso dos modelistas. Na verdade, às vezes era a mesma Madeleine que foi em seus clientes para vesti-los, porque algumas criações eram complicados de usar.
  Recentemente, foi encontrada uma criação Vionnet e foi convidado para ajudar o designer a reconstruir o vestido Alaia Azedine em manequim.
  Alaia levou muito tempo para descobrir como era originalmente, mas o resultado é uma das criações mais bonito e importante Vionnet.
  A guerra vai fechar muitas casas de moda e entre eles também perto de Madeleine Vionnet, que morreu pobre em 99 anos.
  Mas seu nome, sua criatividade e sua grande contribuição para a exaltação da beleza do corpo feminino não foi esquecido, que foi recentemente detectado e as novas criações já estão em circulação na Vionnet estilo.
                                               

Pré-rafaelismo

    De 1830 em diante, os movimentos europeus por mudanças no vestuário refletiam a evolução nas artes, na literatura, na filosofia e na politica. Defendendo a "veracidade para com a natureza e a beleza em todas as coisas", a irmandade pré-rafaelita era um grupo de artistas cuja admiração pela pintura medieval refletia a insatisfação com as manufaturas modernas celebradas pela exibição internacional de 1851.

   Os pré-rafaelitas adentraram o debate sobre o vestuário feminino em 1848, promovendo, por meio de suas pinturas, um jeito fluido de se vestir, livre de espartilhos, menos construtivos e mais saudável.

   As representações de mulheres nas pinturas pré-rafaelitas de Dante Gabriel Rossetti, J.E.Millais e Edward Burne Jones seriam inspiradoras tanto para contemporâneos como para grupos inovadores vindouros e promoveriam a chamada "roupa artística".
 
   As modelos vestiam-se com peças derivadas da obra Costume historique, de Camille Bonard, publicada em Paris entre 1829 e 1830. Outras roupas, com características históricas menos evidentes, eram feitas para uso diário, mas todas compartilhavam uma silhueta mais folgada e aparentemente simples, em cores naturais moderadas ou "artísticas".
 
    Não havia peças justas, em oposição à tendencia dominante na época: espartilhos apertados, tecidos farfalhantes, criolinas volumosas e cores artificiais.

    A ausência do espartilho no vestuário artístico era subversa para os padrões da época. O visual folgado denotava algo de imoral, como se a falta de amaras e laços apertados significasse falta de decoro na rígida era vitoriana.

    O comercio contribui para o pré- rafaelismo. A partir de 1875, sedas fluidas com tingimento vegetal e tecidos de lã importados da Asia por Arthur Lasenby Liberty faziam sucesso na East Índia House, loja frequentada por artistas como Rossetti.

   Fora do circulo dos pré-rafaelitas, a disseminação do vestuário artístico coincidiu com a febre de materiais importados do Japão e com a renovação do gosto por formas e tecidos clássicos. Embora não se caracteriza-sa como alternativa à moda vigente, o vestuário japonês, assim como o clássico, tinha caimento mais solto, exercendo forte apelo entre artistas.

   Essas roupas foram usadas por modelos em pinturas  do fim dos anos 1870, assinadas por James Abbott McNeill Whistler e lord Frederic Leighton.

   O efeito da roupa artística sobre as tendencias da moda perdurou, o que foi citado em texto escrito por Mary Eliza Haweis para a influente revista The Queen e em seu livro The art of dress(arte do vestuário), publicado em 1879, o que inclui uma interpretação do ressurgimento do vestuário medieval  promovido pelos pré-rafaelitas, vinte anos depois do inicio do movimento.

   A versão masculina do vestuário artístico- casaco de veludo e laço no pescoço, visual de Rossetti- tinha suas raízes no movimento romântico do inicio do século XIX.
 

terça-feira, 30 de julho de 2013

Biografia do estilista Jean Patou

Alexandre Jean Patou nasceu em ,em Paris ,no décimo arrondissement ) por Charles Patou e Jeanne Grison. Seu pai correu de 1888 a 1911 um curtume em Énencourt-Leage (Oise) antes de transferir suas atividades para Villejuif .
Em outubro de 1905 Jean Patou juntou-se ao exército, e lá permaneceu por três anos. Em 1910 mudou-se para Paris , onde ele decidiu abrir sua própria casa de moda . Depois de uma falha inicial, em 1914 abriu uma segunda casa de moda em 7 Rue Saint-Florentin, perto da Place de la Concorde , em um elegante edifício do século XVIII .
   Depois de participar da Primeira Guerra Mundial em um regimento de zuavos , retornou a Paris em 1919 para retomar seu trabalho ..
Sua primeira coleção, uma linha de sportswear recebeu acolhimento favorável por parte dos críticos. Na verdade, a casa de moda de Jean Patou foi uma das primeiras empresas a oferecer ainda sportswear.
    Patou também criou o projeto do então dividido ousadia sem mangas e comprimento até a coxa de tennissta Suzanne Lenglen. Jean Patou também é o primeiro a colocar suas criações em um monograma composto por suas iniciais "JP".

Em 1923 , Raymond Barbas, irmão de Jean Patou, criaram uma divisão da empresa dedicada à perfumaria .Em 1925 , ele ingressou na empresa Henri Alméras , no papel de mestre perfumista. Jean Patou criou três fragrâncias Amour-AmourQue sais-je? , e Adieu , dedicados, respectivamente, para mulheres loiras, a marrom eo vermelho.
   Em1929 , ele estava em vez Almeras para criar momento supremo . No mesmo ano, em meio à crise econômica , foi lançado no mercado Joy . Joy é essencialmente uma combinação de dez mil flores de jasmim e vinte e oito dúzias de rosas , que são extraídos dos frascos de 30 ml de perfume, a partir do preço de venda elevado. [1]
   Jean Patou queria um perfume leve para sua casa. Em 1930, Henri Almeras propôs, então, um perfume composto de essências de rosa e jasmim nas proporções de particular importância: tinha mais de 10.000 jasmim de Grasse e 28 dúzias de rosas (rosas de maio de Grasse "repolho rosa" e rosas da Bulgária) para três onças de perfume [5]. O preço desta composição feita de marketing muito arriscado, enquanto a crise econômica em fúria que se seguiu à crise de 1929. 
   Mas Jean Patou Joy seduzido e lançado sob a marca marketing e usando o slogan particularmente ousada do que ele sugeriu a seu amigo e conselheiro, o colunista americano Elsa Maxwell: Joy, o perfume mais caro do mundo (o perfume mais caro do mundo) [6].
   Jean Patou morreu prematuramente em 1936 de insuficiência cardíaca aos 49 anos, e foi sepultado no cemitério de Passy [2] . A casa de moda cessarão todas as atividades em 1987 , enquanto a casa de Patou divisão de perfumes faz parte da "beleza de luxo" da Procter & Gamble .

                         





Vestuário na Grécia antiga

  L ' vestuário da Grécia antiga era, geralmente, de uma forma muito simples, muitas vezes consiste em um    único retângulo de tecido , não costurados, mas envolto em torno do corpo, em estilos quase idênticos em ambas      as roupas dos homens do que em mulheres. O único líder a fazer apenas parte do guarda-roupa feminino foi o peplum . Esta moda manteve-se praticamente inalterada ao longo dos anos, em que mudou apenas os tecidos e os materiais utilizados e a forma em que foram usadas, dependendo de qual era possível distinguir os diferentes status social do utente.


   O vestido nacional de homens gregos era a túnica , túnica longa, costuradas de um lado e parar sobre os ombros dos botões , ou uma costura, e muito semelhante ao seu equivalente feminino. Ao longo dos anos, a túnica foi relegado para vestir-se para circunstâncias formais e as cerimônias solenes, e substituído a partir do século V pelos mais práticos chitoniskos , longa até os joelhos e na cintura por um cinto . 
   Os homens livres usavam-los fixos em ambos os ombros, e muitas vezes com a ilusão de duas pequenas mangas .Os escravos ao invés disso ele usava uma versão menos valioso, e preso em um ombro, de modo a reconhecer sua condição e permitir-lhes maior conforto no trabalho. 
   A versão destinada às crianças, no entanto, foi desocupado, sem o cinto de segurança, assim como o usado por soldados sob a armadura .Material era o mais difundido de lã , e só em raras ocasiões, a roupa de cama.
   L ' himation foi o manto usado tanto por homens como por mulheres, usado sobre a túnica, simplesmente descansando em seu ombro e fez cair de lado. Ele poderia também ser dobrada em um quadrado e repouso no ombro, ou trazido por um ressalto apoiado para o outro, sem costuras ou alfinetes.
    Em qualquer caso, as maneiras pelas quais ele pode ser himation drapeado foram inúmeras, e muitas vezes indicativo de status social e profissão do usuário. tribonio de origem espartana era um manto áspero e grosseiro, o que deixou as pernas descobertas, e foi adotado como um uniforme distintivo de filósofos .

Os chlamys (ou mesmo claina ) foi um curto casaco de tecido leve, usando puramente militar , que foi fixada sobre os ombros ou ao redor da garganta por um fecho . A utilização dos chlamys também se espalhou entre os romanos e godos e permaneceu em uso até 300 dC O manto era o símbolo de comando entre o general do exército, e era o símbolo da passagem para a idade adulta para adolescentes que recebido como um presente. 

   Não houve grandes diferenças entre o vestuário masculino e feminino. A aristocrática grega, na verdade usava uma túnica longa até o tornozelo , comfendas laterais e muitas vezes com a pesca de arrasto . 
  O peito foi apoiado por uma banda larga, que também tinha a função de esconder a abertura do vestido. Para completar a roupa havia um casaco sem mangas (tipo bolero ), já nas laterais e um xale, chamado krédemnon .
   Um triângulo de tecido leve, quando colocado na cabeça, caindo sobre os ombros, com mera função ornamental, e que muitas vezes pode ser combinado Polos , ornamento origens orientais , muitas vezes representado com roupas de Dee 's ou culto de mulheres.
   Traje nacional das mulheres gregas era sim o peplum retângulo de tecido (geralmente  ), que estava envolto em torno do corpo para formar uma espécie de túnica que braços esquerdos estão nuas, e foi parado na cintura por uma espécie de cinto. 
    Comumente os peplus foi dobrado por cima do tapete, criando um efeito similar ao de um moderno blusa . O uso do vestido peplum como veio até a segunda metade do século VI , quando foi substituída pela túnica , o peplum e tornou-se uma espécie de manto ou como uma camisola ou vestido casa. 
  O peplum, no entanto, foi continuado para ser usado como um único vestido por mulheresSpartan . As cores mais comuns deste vestido foram os naturais, como branco ou açafrão .
   A túnica , um nativo iónico , composto por duas folhas rectangulares e sobrepostas costurada nas laterais. O vestido foi parado na cintura com uma corda ou um cinto , e prendeu em seus ombros, inicialmente broches broches , e mais tarde por costura real. 
  Desde quíton ião era possível, através broches fixadas na parte superior do vestido, derivam também as mangas, e foi, em geral, juntamente com o pé, ao contrário da túnica Dórico , que em vez disso pode ser ainda mais curta, e foi costurado em apenas um lado . A túnica estava sempre vestido com um manto, o que poderia ser o peplum ol ' himation .
   L ' himation era uma capa comum para ambos os sexos, de modo que o mesmo revestimento pode igualmente ser usado pela mulher ou o marido. 
Ao longo do tempo, a fêmea himation assumida uma diferença, obtido por mais um pouco de decoração, com bordas ou penas .
  
    O himation poderia ser usado ao redor da cabeça, ou passou por baixo da axila ao ombro oposto.diplax e chlamidon eram de versão dell'himation, mais pequenos em tamanho, em utilização na estação quente.

   Main e generalizado, o modelo de calçado foram o grego pedῖlon , uma forma primitiva de sandálias , constituído por uma pele plantar, cortada na forma do , que foi protegido por uma série de bandas que se aproximou do pescoço do pé. Este calçado evoluiu em sandάlia , as variantes mais elaboradas e resistentes que as mulheres podem até ser colorido.
    A evolução do sapateiro levou à criação de krhpίς , sapatos abertos tipicamente masculina, de onde veio o ἐndromίς , cujo laço veio até o joelho, e eram típicos do uniforme militar. ἐmbάdeς , provavelmente originária da Babilônia ou da Trácia , estavam entre os primeiros modelos de sapatos fechados, tanto masculino quanto feminino, produzido em muitas variações (baixa ou alta) e cores diferentes. 
   Sapato feminino típico especialmente para ocasiões formais, como casamentos e outras cerimônias, foi o diάbaqron , decorado com aplicações em metais. Os altamente caros baucides foram calçado típico em vez de éter , a essência do que era para aumentar significativamente a altura de o utente, a mesma característica que distingue o cothurni ( kόqornoς ), as altas botas usadas por atorestrágicos . [1]
   Os principais centros de produção de calçados estavam em Sicília , no Mar Negro , a Cyrenaicael ' na Ásia Menor , onde os sapateiros cuidou tanto do curtimento de couros e peles como a fabricação de sapatos. 
   A coloração foi feita com as mesmas técnicas usadas para os tecidos, através da aplicação de casca de planta pigmentos de origem mineral ou de metal e barro . [1]ao longo dos gregos usaram como vestir-se a tela.

  Em contraste com as roupas da última moda, capacetes na Grécia antiga tinha uma puramente prático, e foram usados ​​principalmente para proteger o usuário do sol durante o trabalho no campo, ou para proteger do frio, como oἀlwpekίς , feito de couro com fox .
   O pῖloς em vez disso, era um chapéu emfeltro para as classes mais pobres, e usado principalmente para "cura" por crianças e idosos. As características de chapelaria, tais podem variar dependendo da localização e da região. 
   O kausίa foi um longo chapéu de feltro prato, originário da Macedônia , enquanto que o barrete frígio era um chapéu cônico com a ponta inclinada para a frente, originário da Anatólia . 
   A única chapéu para as mulheres foi a vez krήdemnon , semelhante na forma apetaso masculino. Finalmente, a polos ( πόλος ) foi um cocar de representações típicas, cilíndricas ou retangulares das divindades femininas, e realmente engajados em cerimônias.

  Muito pouco notícia veio sobre o uso de roupas íntimas na Grécia antiga. Sabemos com certeza que as mulheres utilizzassero uma tira de tecido para mo ' sutiã , chamado stròphion . 
  Algumas fontes indicam que é muitas vezes também referida pelos nomes de Tainia ou mitra , provavelmente dependendo da forma e tamanho da peça de vestuário.

   O material mais comum usado na textura das roupas foi  . Mais exótico e caro foi considerado, em vez de algodão, importado da ' Leste . O linho foi usado principalmente na produção de uniformes militares que precisavam ser mais leve e mais prático. 
   A cultura do linho, no entanto, ao longo dos anos que foi abandonado e levado muitos séculos depois. Para as roupas mais caras e refinadas foi empregado o linho fino , uma espécie de seda natural marinho, feita a partir de um filamento que secretam alguns moluscos .
   As cores que estão mais em roupas eram, é claro, o branco do tecido natural, mas também algumas cores naturais como o amarelo ou turquesa . 
  Menos comum é o vermelho , como a técnica de coloração empregada, previu o uso de roxo , e fez os custos de produção consideravelmente mais elevados. 
   No entanto, o vermelho era a cor que foi usado por éter e dançarinos, por isso, em cada caso, foi muito pouco difundido.
Imagens no próximo post

segunda-feira, 29 de julho de 2013

Biografia da Goiard

   Tudo começou com François Goyard, um jovem artesão que veio da Borgonha para Paris, em 1845 , com o objetivo de trabalhar como aprendiz na Maison Morel, fundada em 1792 e então maior e mais prestigiosa fabricante de baús de viagem, caixinhas, cofrinhos e embalagens, que na época era um verdadeiro must entre a nobreza francesa.
  
    Em oito anos, ele se transformou no herdeiro profissional do célebre Monsier Henri Morel e teve então uma idéia muito original e ousada: abriu uma loja ao público, em 1853, no número 233 da lendária Rue Saint-Honoré (onde está até hoje, no mesmo prédio) e começou a oferecer suas requintadas criações que levavam o requinte e luxo na hora de viajar, iniciando o negócio, batizado de La Maison Goyard, que foi seria expandido nas três décadas seguintes,


  Por seu filho Edmond. Entre as inovações da GOYARD na época, destacam-se a abertura de filiais nos luxuosos destinos de férias dos ricos como Bordeaux, Biarritz e Monte Carlo, e de corners dentro das lojas de John Wanamaker, considerado pai do conceito de loja de departamento, nas cidades de Filadélfia e Nova York. Além disso, a marca sempre optou por utilizar cânhamo, linho e algodão de primeira classe em seus 

    Na virada do século, Edmond resolveu participar de várias feiras e exposições internacionais, conquistando inúmeros prêmios e aumentando ainda mais o prestígio da marca. Nesta época, a GOYARD abriu um departamento especificamente para atender aos proprietários de animais de estimação, entre eles cachorros, gatos e até macaquinhos, que queriam seus bichanos vestidos com acessórios da grife francesa como sapatinhos, coleiras e caixas de transporte. 

   Rapidamente a GOYARD se tornou a favorita da aristocracia européia conquistando também clientes fiéis ao redor do mundo como o bilionário americano John Rockfeller, a atriz francesa Sarah Bernhardt, o escritor escocês Conan Doyle, criador do personagem Sherlock Holmes, o Duque e a Duquesa de Windsor, o Marajá de Kapurthala, o pintor Pablo Picasso e Gregory Peck.

   No dia 3 de dezembro de 1931 a GOYARD oficialmente obteve a patente do Malle Bureau, um baú de viagem que poderia ser convertido em um pequeno mobiliário, com uma mesa capaz de acomodar uma máquina de escrever.
  
   Ao contrário da rival Louis Vuitton, que se tornou um colosso nas mãos de Bernard Arnault, hoje proprietário do maior conglomerado de luxo do mundo, a GOYARD se manteve pequena e fiel às suas origens, fabricando todas as suas malas artesanalmente, inclusive as costuras, e unindo forças com outras marcas tradicionalíssimas, como os caviares da Prunier, para produzir malas e baús de viagem sofisticados para se carregar de tudo, desde escritórios portáteis a equipamentos necessários para jogar pólo (da sela ao chicotinho) ou degustar um champanhe ou um chá a qualquer instante.

Na década de 90 a empresa foi adquirida pela família Signoles, que rapidamente começou a introduzir bolsas mais modernas e com diferentes colorações e padrões. Nas últimas duas décadas, a Maison francesa caiu no gosto das celebridades por ser prática e exclusiva. Todas as peças podem ganhar listras e as iniciais de sua proprietária com serviços de personalização. 

  Redescoberta por celebridades e fashionistas, a GOYARD voltou às páginas das revistas de moda graças à bolsa-fetiche Saint Louis Tote, vendida em três tamanhos e com uma exuberante cartela de cores. Outro modelo de sucesso é a shopping bag, que vem acompanhada com uma carteira pendurada, e tem várias opções de cores como verde, amarelo, laranja, azul, vinho e vermelho.

Devido ao enorme sucesso de seu exclusivo monograma (batizado de Goyard Chevron), clássica estampa com espécies de galhos entrelaçados em tons de preto, bege e marrom, a grife francesa expandiu suas operações para os Estados Unidos, Hong Kong e Japão, mercados ávidos por produtos luxuosos e sofisticados. 

  No ano 2000, a marca alcançou grande popularidade ao iniciar uma parceria bem sucedida para venda de seus exclusivos produtos com a loja de departamentos de luxo Barneys New York. Mais recentemente, em 2008, a tradicional marca francesa produtora de baús, malas, bolsas, carteiras, entre outros itens sofisticados como guarda-chuva, inaugurou sua loja na Villa Daslu em São Paulo, primeira unidade localizada no hemisfério sul.
  
   A loja da GOYARD oferecia um atelier com uma artista que fazia a personalização das malas com as iniciais da compradora. As paredes da loja eram idênticas às da loja original na Rue Saint Honoré em Paris.

   Uma das últimas criações da marca foi a Lancôme/Goyard Vanity Case, uma pequena maleta de maquiagens com itens da sofisticada Lancôme, vendida ao preço de US$ 18.000. Além disso, buscando atrair novos consumidores a Maison contratou o artista plástico Toland Grinnell para capturar a essência da marca, só que desta vez para um novo público. 

    O artista criou um baú que no seu interior possuía um sistema de som com 1000 watts de potência, integrado a um iPod, mini-bicicletas com a marca GOYARD em seus assentos e acessórios, mini-refrigerador para cervejas, grelhas da marca George Foreman, skates desenhados, e conversor de energia, para que o baú mágico possa funcionar em qualquer lugar do planeta, sem deixar os festeiros na mão.

   A marca apresenta ainda uma linha de produtos para animais que inclui entre outros itens pratos para viagem e coleiras. Em 2010 ocorreu outro grande lançamento: um livro de 200 páginas sobre a história da Maison que traz imagens de modelos criados ao longo dos anos, com edição de apenas 233 cópias, que vinha em uma mala própria, numerada. O preço? €6.000 e quem quisesse comprar, tinha que marcar um horário para ver a disponibilidade.


                           




Biografia da Missoni

  Ottavio Missoni nascido em 1921 em Ragusa, no então Reino dos Sérvios, Croatas e Eslovenos, um pai de origem Julian ("homo-de mar Vittorio Missoni, capitão, o filho de um magistrado") e mãe da Dalmácia( Teresa de 'Vidovich, da antiga família nobre de Sibenik), mudou-se com idade de 6 anos, para Zara, onde passou sua juventude até 1941.

  A carreira desportiva

   Ele divide seu tempo entre estudo e atletismo, competindo com a empresa Zara Ginastica. Começa a atividade agonística de dicado á especialidade da corrida de 400 metros. Em 1937 participa no Campeonato Europeu nos 400 m, e foi eliminado na bateria, e em 1939 tornou-se aluno campeão do mundo em Viena. Após a segunda Guerra Mundial, a participação nos jogos olímpicos de Londres 1948, terminando em sexto lugar na final dos 400 m com barreiras e correr como o segundo corredor nas baterias de revezamento 4- 400 metros. Nessa ocasião, conhece o sua compatriota Rosita, que se tornaria sua esposa.

   Em 1950 participa na europeus em Bruxelas, terminando em 4° lugar na corrida dos 400 metros com barreiras. Durante sua carreira, ele conquistou sete títulos nacionais, incluindo um no traço de 400 m com barreiras(1941, 1947 e 1948) e três no 400 metros em equipe 4 do relé (1950,1951 e 1952).Ele nunca desistiu, mesmo quando os atletismo, ultrapassou 80 anos, participou em concursos federais e atlético internacional .

  A empresa start-up Missoni

   Missoni tomou parte na batalha de El Alamein e foi feito prisioneiro pelos aliados.Depois de passar quatro anos em um campo de prisioneiros no Egito, em 1946, ele voltou para a Itália, em Trieste, onde se matriculou no Liceu Oberdan.

   Em 18 de abriu 1953, Ottavio Missoni casou-se Rosita Jelmini, cuja família é proprietária de uma fabrica de xales e tecidos bordados Golant, na província de Varese.

  Missoni em Trieste tinha, entretanto, abriu uma fabrica de malha sa, em companhia de um amigo , atirador de discos George Oberweger. Com a mulher lança uma tarefa via cattaneo em Gallarete, em um galpão para alugar. Mais, o casal mudou toda a produção de artesanato Sumirago, que se torna sede da Missoni tanto como uma casa de família e como um local de trabalho. Em 1954 seu primeiro filho nasceu Vittorio, seguido por Lucas em 1956 e Angela em 1958.

  Os sucessos na moda

   Em 1960 vestidos Missoni começam a aparecer em revistas de moda. Em 1962 Ottavio e sua esposa começam a usar a máquina de costura Rachel, nascido para o processamento de xales, para criar roupas que são coloridas e leves. Esta inovação decretou o sucesso comercial da linha.

   Anna Piaggi, a famosa jornalista de moda com talentos indiscutíveis. Vai observando as criações de Ottavio e Rosita Missoni. A seguir com interesse crescente, temporada após temporada.

   Em 1966 foi realizado o primeiro desfile no Gerólamo Theatre em Milão: é um grande sucesso. Um ano depois, em abril. Ottavio e Rosita estão presentes pela primeira vez no Palácio Pitty, em Florença, mas antes que os modelos subam para a passarela, Rosita percebe que eles não usam roupas intimas de cor apropriada se ele colocar os holofotes, amalha se torna transparente. No entanto a ideia não é compreendida e , no ano seguinte, assim como Yves Saint Laurent em Paris está lançado seu olhar nu famoso, a Missoni já não é convidada para os desfiles.

   Apresentando suas coleções Piscina Solari, com um desfile aquático memorável . No mesmo ano, eles trazem suas criações para Paris  e até lá eles fazem um grande sucesso.

   Em abril de 1969 a revista revista americana da mulher desgaste diário missoni dedicando á página de abertura, e no ano seguinte as lojas Bloomingdale de Nova York abriu uma boutique Missoni. Esta é a primeira nos Estados Unidos.

   Em abril, Ottavio e Rosita  são bem sucedidos em Florença uma coleção que define uma nova interpretação gráfica de vestuário feminino e masculino. Esse é novo estilo  que os nortes-americanos, mais tarde apelidado de "juntos". Em 1971 Ottavio em Cortina apresenta uma coleção com o famoso "patcwork" e os jornais começam a comparar suas composições de cores para as obras de arte contemporânea.

    Em setembro de 1973 a Missoni recebe em Dallas prestigiado Neimam Marcus Fashion Award, equivalente ao Oscar no campo da moda. No ano seguinte, No ano seguinte Missoni sai de Florença e Pitty e decide apresentar suas coleções em Milão.

    Em 1975 Renato Cardozo Ottavio prepara para uma exposição individual na Galeria o canal de Veneza: seus tecidos são expostos como pinturas. Em 1976  abriu sua primeira boutique em Milão e em 1979 a capital da Lombardia Ottavio é agraciado com a medalha  de ouro para o valor civil. é apenas o primeiro de uma longa serie de prêmios, nacionais e internacionais.Em 1983, Missoni desenhou os figurinos para a primeira fase  da escala do mesmo ano, a Lucia di Lammermoor e em 1986 ele foi premiado com honra  de Comendador da República.  Característica Missoni não é para ser levedo muito a sério a si mesmo, nem seu oficio.

     Um de seus ditados clássicos é:" se vestir mal não precisa seguir a moda, mas ajuda". Missoni nunca falou de seus colegas de profissão.
Em 11 de fevereiro de 2001 a empresa e a família Missoni comemoraram o octogésimo aniversario com grandes celebrações de Octavius. Em 2002, por ocasião do primeiro desfile de moda na China, Ottavio Missoni recebe um diploma honorário da Universidade de Xangai.

   Em abril de 2013 comemorando seu sexagésimo aniversario de casamento com Rosita, o evento também se correspondeu com o saxagesimo aniversario da sua parceria criativa.

   Após a internação ocorreu em 01 de maio de 2013, pede para voltar para sua casa  em Sumirago em Varese, onde morreu na noite entre os dias 08 e 09 de maio, com idade de 92 anos.


                                     









quarta-feira, 24 de julho de 2013

Pin-ups

Aqui algumas imagens de pin-ups que é a continuação do outro post, são alguns desenhos e fotografias com imagens de pin-ups.